9 najsłynniejszych minimalistycznych dzieł sztuki, które zdefiniowały ten gatunek

Gatunek minimalizmu ujawnia się w różnych formach sztuki: malarstwie, muzyce i literaturze. Powstał w latach 60. XX wieku i powstał jako odpowiedź na abstrakcyjny ekspresjonizm. Minimaliści starali się odejść od ekspresyjnych cech abstrakcyjnego ekspresjonizmu, uznając te prace za zbyt pompatyczne, bagatelizując istotę samej sztuki. Wręcz przeciwnie, artyści z gatunku minimalistycznego próbowali stworzyć obraz z prostych linii i figur. Minimalizm charakteryzuje się interpretacją dzieł oczami patrzącego. Specjalnie dla tego dzieła wszystkie złożone obiekty, środki wyrażania siebie, biografie i programy społeczne są usuwane. Widz powinien zobaczyć obraz taki, jaki jest w rzeczywistości: pełen dziewiczego piękna i szczerości.

Ze względu na silny nacisk na elementy podstawowe gatunek minimalizmu znany był jako sztuka ABC. Większość najwybitniejszych minimalistów była rzeźbiarzami, ale minimalizm był również powszechny w Land Art, odgałęzieniu gatunku, którego celem było tworzenie sztuki w formie pejzaży, zasadniczo gałęzi projektowania krajobrazu.

Minimalizm skupia się również na ruchu światła i przestrzeni, jednak wielu artystów tego gatunku stara się w swoich pracach przedstawiać pustkę.

Wierzono, że minimalizm powstał w Azji. Na prace wielu zachodnich artystów, czego przykładem jest Agnes Martin, buddyzm zen wywarł ogromny wpływ. Ogromna masa artystów minimalistycznych była pod wpływem koncepcji „pustki” zapożyczonej z pism hinduskich. Mono-ha był jednym z największych ruchów minimalistycznych w Azji. Był to pierwszy japoński ruch sztuki współczesnej o międzynarodowej renomie. Mono-ha, zwana także „Szkołą Rzeczy”, powstała w połowie lat 60. XX wieku, a następnie stała się innowacyjnym ruchem artystycznym. Na czele tej grupy stali Li Ufang i Nobuo Sekine. Było to jedyne stowarzyszenie, które pozycjonowało swoją działalność jako działalność „niekreatywną”. Takie grupy odrzucały tradycyjne idee reprezentacji. Ich pragnieniem było odkrywanie świata poprzez interakcję z materiałami i ich właściwościami, na wzór zachodniego nurtu minimalizmu.

Oferujemy do obejrzenia najsłynniejszych dzieł sztuki minimalistycznej, podkreślając przynależność do tego gatunku. Otrzymasz również obrazy i rzeźby, które niszczą tradycyjne wyobrażenia o sztuce w ogóle, ponieważ zatarły różnice między nimi.

Frank Stella „Banery ku niebu!” (1995)

Frank Stella, jako malarz, rzeźbiarz i grafik, jest uważany za jednego z najbardziej wpływowych współczesnych artystów amerykańskich. Jego pełne pasków obrazy, a także okazałe grafiki zrewolucjonizowały nie tylko świat minimalizmu, ale i abstrakcji. Autor zauważa, że największy wpływ na jego twórczość wywarli artyści abstrakcyjni Pollock i Klein. Ale z woli losu Frank Stella stał się jednym z ojców założycieli minimalizmu.

„Banery w górę!” nazwany na cześć marszowej pieśni nazistów, ale wszystko oprócz nazwy obrazu wydaje się nie mieć żadnego znaczenia. Ta praca jest częścią dużego cyklu mrocznych prac Stelli. Jasne linie, wyraźnie widoczne na zdjęciu, to tylko nieobrobione płótno pozostawione wśród szerokich czarnych pasów. Ta monochromatyczna praca jest jednym z najsłynniejszych obrazów rzucających wyzwanie ruchowi abstrakcyjnemu.

Robert Morris, Bez tytułu (Mirror Cubes) (1965/71)

„Untitled (Mirror Cubes)” Roberta Morrisa ukazuje go nie tylko jako twórcę minimalistycznego gatunku, ale także jako konceptualnego. Autor natknął się na duże szare pudła wykonane ze sklejki, które służyły jako ozdoby podczas występów z zespołem baletowym. W swojej pracy pokrywał te pudełka lustrami, zmieniając w ten sposób sposób percepcji, nadając prostym szarym sześcianom nowe właściwości wizualne. Kompozycja ma na celu bezpośrednią interakcję widza z obiektem: przechadzając się między lustrzanymi sześcianami, widzowie mimowolnie zderzają się ze sobą i pozostają jakby sami ze swoimi myślami, ale sami ze wszystkimi. Akt podziwiania dzieła sztuki zostaje nagle przerwany przez akt poszukiwania. To na tej podstawie dokonuje się „inwazja” przestrzeni galerii. Człowiek zaczyna odczuwać obecność sztuki poza tym, co widzialne.

Agnes Martin, Powrót do świata (1997)

Agnes Martin malowała obrazy, które w żaden sposób nie przedstawiały przedmiotów, ale ich nazwy podkreślały silny urok natury. Twórczość Martina została doceniona siatką łączącą minimalizm i kolorystykę. Siatka została wykorzystana do uporządkowania przestrzeni płótna. Pomogła stworzyć nieskończoną różnorodność kojących prac w subtelnych schematach kolorystycznych.

Będąc pod silnym wpływem buddyzmu zen i taoizmu, Martin przez większość swojego życia była bardzo oderwana od świata, nawet mieszkając w Nowym Meksyku. W wieku 40 lat zdiagnozowano u niej schizofrenię. „Powrót do świata” został napisany w 9. dekadzie życia. W tym czasie przebywała w domu opieki. Paski w kolorze niebieskim, brzoskwiniowym i żółtym nadal podkreślały ekskluzywność sztuki w świecie pełnym zepsucia, więc zmniejszyła rozmiar swoich płócien, aby mieć z nimi mniej trudności.

Ellsworth Kelly, czerwony, żółty, niebieski II (1953)

Służba podczas II wojny światowej miała wyraźny wpływ na Ellsworth Kelly. Poniekąd posłużył jako obserwacja przyrody i architektury, a następnie znalazł zastosowanie w praktyce. Wnikliwe studium abstrakcji przez autora i jej zastosowanie w swoich pracach wypracowało minimalizm. Cykl obrazów „Czerwony, żółty, niebieski” wpłynął na sposób malowania. Powstał, gdy tylko Kelly odkrył nieskończone możliwości monochromatycznego spektrum barw, przypadkowości i wielopanelowej kompozycji.

Czerwony Żółty Niebieski II składa się z siedmiu paneli. Centralny czarny panel to zarówno panel dzielący, jak i trzy panele z każdej strony. Niebieskie panele na końcach podkreślają kompozycję Kelly. To właśnie to dzieło uważane jest za jedno z jego najlepszych dzieł, a także największe dzieło podczas jego pobytu w Paryżu.

Sol Levitt, Malowane ściany

Sol Levitt pomalował 1350 ścian w ciągu 40 lat swojej kariery, z czego 3500 to instalacje w 1200 miejscach. Projekty były zupełnie inne: od prostych pasków nałożonych czarnym łupkiem, po wielokolorowe faliste linie, monochromatyczne geometryczne kształty i jasne przestrzenie pomalowane akrylem. Autor odrzucił tradycyjne znaczenie własnej ręki twórcy, pozwalając mu pomagać innym w tworzeniu swojego dzieła sztuki. Jego malowidła ścienne przybrały formy zajmowanych przez siebie przestrzeni, dlatego poddano je badaniom z zakresu architektury i sztuki.

Levitt zmarł w 2007 roku, ale jego twórczość nadal żyje, ponieważ jest w nich osadzony duch artysty. Obecnie jest kilku artystów, którzy odmawiają odtworzenia swoich malowideł ściennych, pozwalając im w ten sposób ozdobić ściany na całym świecie.

Judy Chicago, Tęczowa pikieta (1965)

Rainbow Picket to instalacja wielkości pomieszczenia. Składa się z sześciu trapezów, różniących się kolorem i długością. Oprócz pierwszej indywidualnej wystawy w Galerii Rolf Nelson w Los Angeles (styczeń 1966) praca ta została pokazana na wystawie fundamentalnej „Struktury podstawowe” w Muzeum Żydowskim.Clement Greenberg, znany krytyk, powiedział, że ta praca jest najlepsza w tej dziedzinie. W 2004 roku Tęczowa Pikieta została zrekonstruowana, a później obiekt stał się znakiem rozpoznawczym LAMOCA „Minimalistic Future? Sztuka jako przedmiot (1958-1968)”.

Tworząc takie prace, testując możliwości koloru za pomocą własnych wzorów i schematów przestrzennych, Judy Chicago zyskała sławę jako innowatorka w gatunku minimalistycznym.

Dan Flavin, „Bez tytułu (według Harolda Joachima) 3” (1977)

„Bez tytułu (według Harolda Joachima) 3” to jedna z wielu prac Dana Flavina. Składa się z lamp LED i metalowych klipsów. Autor badał możliwości światła fluorescencyjnego przez trzy dekady, wykonując swoją pracę wyłącznie na materiałach dostępnych na rynku. Porzuciwszy koncepcje abstrakcyjnego ekspresjonizmu, Flavin zaczął posługiwać się takim sprzętem, a następnie wprowadził go w świat sztuki wysokiej. Na pierwszy rzut oka praca wydaje się być tak prosta, jak to tylko możliwe, ale jeśli przyjrzysz się uważnie, zobaczysz głębokie wyrafinowanie pracy.

Prace Flavina mają tendencję do wychodzenia poza przestrzeń, w której się znajdują, dzięki grze światła i różnorodności palet kolorystycznych. Obiekty pozwalają widzowi kąpać się w ciepłym blasku diod LED, tworząc specyficzną atmosferę.

Eva Hesse, „Dzieło bezimienne (kawałki liny)” (1970)

Eva Hesse urodziła się w Niemczech. Teraz znamy ją jako innowacyjną amerykańską rzeźbiarkę w pracy z lateksem, włóknem szklanym i plastikiem. Położyła podwaliny pod rozwój postminimalizmu w latach 60. XX wieku. O wiele więcej autor zbadał właściwości najprostszych materiałów do wykorzystania w ilustracjach.

„Dzieło bezimienne (Kawałki liny)” powstało w 1970 roku, kiedy Hesse była już na skraju śmierci, a dokończone zostało z pomocą jej towarzyszy. Eksponat wykonany jest z lateksu naciągniętego na linę, żyłkę i drut i zawieszony pod sufitem. Symuluje splątany wzór w przestrzeni. Hesse odeszła od tradycyjnej schludności minimalizmu, ale jej sposoby prezentacji materiału są postrzegane w ramach gatunku.

Donald Judd, Praca bez tytułu (1980)

Donald Judd stanowczo zaprzecza swojemu związkowi z minimalizmem. Mimo to jest jednym z jej ojców założycieli. Na początku lat 60. XX wieku autor odkrył pewną wrogość do europejskich wartości artystycznych, odszedł więc od twórczości rzeźbiarza i zaczął tworzyć dzieła, których nie można było przypisać żadnemu z powyższych działów sztuki. Jego prace były również wystawiane w Major Structures w Nowym Jorku.

W latach 80. Judd zaczął tworzyć wiszące, pionowe półki. Przykładem tego jest „praca bez tytułu” (1980). Do tej pory tego typu prac nie można przypisać malarstwu. Nie rzeźba. praca wykonana jest z 2 rodzajów materiałów: aluminium i plexi. Odbywa się to po to, aby widz zastanowił się nad sprzeczną naturą sztuki: nieprzejrzyste i obsesyjne postacie z boku są połączone z głębią przestrzeni przed.